Wednesday, 5 December 2012

Heiße Luft von anderen Planeten

Franz Welser-Möst appears to be living in an alternative universe where the Vienna Philharmonic offers equality of opportunity to Asian musicians, the Staatsoper combats big bad modernism with lots of Glanert, big-name orchestras don’t compromise artistic quality with unrehearsed performances, and the Viennese never talk chauvinistically of their musical heritage. Give irony nine lives and you might make it to the parting shot – ‘creativity only arises in places where self-satisfaction is not predominant – in his recent Festrede to the Musikverein on the occasion of its 200th anniversary.

Some seem to be taking this speech in the lofty spirit it was intended, as a serious reflection on the state of the arts. I've attended too many of Franzi’s pseudo-intellectual Positionslichter talks at the Staatsoper to be that generous; he enjoys getting philosophical so long as there is a crowd to play to, and this text seems little different. The only disappointment is that the full extent of his comically fatuous Adorno critique has not been preserved for posterity.

Gert Korentschnig is right to question its smallness, writing that the ‘tabloidization of classical music is an unsubtle dig at Alexander Pereira, whose face is rarely out of the Austrian glossies. The bizarre remarks about the ‘high priests of modernism are presumably intended to show the Klangforum their place too, after their Intendant had the temerity to call the Staatsoper artistically stagnant.

Full text of this junk, auf Englisch und Deutsch, after the jump.


Franz Welser-Möst: ART GIVES RISE TO IDENTITY BY REMINDING US THAT WE ARE UNABLE TO LIVE WITHOUT DREAMS

Keynote speech - 200 years Musikverein

200 years ago, a group of enthusiasts was moved by their love of music to form a society which founding charter states the following: “The uplifting of music in all its aspects is the primary purpose of the Society; members’ own pursuit and enjoyment thereof are merely subordinate objectives.”

Aside from the fact that the Society’s founding took place not only out of a love for music, but also for patriotic and social reasons, it was also a great deed in terms of cultural policy. Because here, various social classes—above all the ascendant bourgeoisie—began manifesting a desire for freedom and independence, with the arts understood to be an important part of their own culture and portrayed as constituent to their identity.

It is entirely justified that such an anniversary be taken as an occasion to look back and appreciate the singular status of this institution worldwide, and to be proud of it. But I think that such a celebration should, most importantly, serve to entertain the question of just where this journey is to take us—as an institution, as a country and as a society.

For many centuries, this city has known that human beings cannot exist without dreams. Art gives rise to identity by reminding us that we are unable to live without dreams.

Two hundred years ago, the establishment of this Society was a manifestation of the dream of freedom, the political and social freedom that we see demonstrated so vividly and emotionally in Beethoven’s music, which we can experience in exactly the same way today.

One hundred years ago, the dream of the unlimited ability to travel brought about an enormous acceleration of life—something which human beings still have yet to completely digest. And now, one hundred years later, we are reliving this situation with respect to the speed of communication, a challenge that looms before us like an unconquerable peak.

It is impossible to see clearly into the fog of the future, but if we desire to know not only where we are going but also how we want to shape the journey, then we must first take stock of and analyze our cultural sector, as it stands and as part of a whole.

In the interest of obtaining a better view and understanding it within a larger context, we would do well to take a step back and look at the broadest-possible picture.

One hundred years ago, the art world reacted to the phenomenon of acceleration by taking up the archaic—just think of Stravinsky’s Rite of Spring. At that time, America was just embarking on the process of ascending to its future lead role in the Western world, and European culture grew not only curious about America, beginning to integrate it into its art, but also began adopting more and more from America in a process that was slow—and made even slower by the powerful political earthquakes of the 20th century—but nonetheless unstoppable. Much in today’s Europe is “Americanized.” As a “part-time American” myself, I ascertain this without any judgmental intent.

Today, it seems to me that our Western world—including America—is once again subject to fundamental changes with regard to culture and our understanding thereof. Are we faced with a phenomenon of “Asianization,” much like the “Americanization” of a century ago? This would seem entirely conceivable when one thinks of the phenomenon of Lang Lang, which has resulted in one million children taking piano lessons and ten million Twitter followers in China alone. One must not discount this simply as a sort of pop-cultural phenomenon within classical music; it much rather shows us that we in Europe, as well as in America and the entire Western world, can no longer take for granted our claim to leadership in the cultural matters we have inherited: quite clearly, a passing lane has opened up right next to us.

In the world of Indian divinities, there are the gods Brahma, the Creator, Vishnu, the Preserver and Shiva, the Destroyer—all three of whom share equal status. Viewed in this context, we in the Western world would to an excessive extent be worshippers of Vishnu, the Preserver! The mere pursuit of maintenance, or often even just administration, paying no heed to the necessity of both creation and destruction, is enough to undermine the foundations of any culture—including our own.

Cultivation, which must be one of the foundations of any society, requires creativity. We should be giving this more thought, formulating new dreams and setting new goals—to aim for the impossible, both for ourselves and for coming generations, and to perhaps come just a bit closer to precisely that which we will never achieve. Any person who wants to accomplish something special does precisely this: he declares the impossible to be his goal, that is his motivation—failure is an integral part of the equation and, moreover, a major factor on the path of progress.

Culture’s maintenance is important, but so is its renewal. Merely broadening our scope, as we see happening with many festivals these days, entails becoming more shallow rather than opening up, as it is falsely portrayed. Art should and indeed must be accessible to everyone, but “tabloidization”—with the “event” as defined by reports in glossy magazines becoming the sole point, and with even the organizers using business success to distract themselves from poor artistic quality—is testament to short-sightedness, and it is also a contribution to the process by which art and culture erode. Art must plumb the depths as an important part of our dream-world, the world that we should dream of—but it is also, as it indeed must be, an expression of its times. We live in an age of superficiality, but precisely this what we must fight back against, showing that more exists than just quick satisfaction and the addiction to records, which I find perverse in artistic events because it degrades art into a mass-produced good. Subtlety and complex engagement with our own existence are difficult to communicate, but this communication is an essential task of the arts and of those working in the cultural field. Organizers and promoters must facilitate precisely this, rather than undermining it with “events.”

A word about art and, above all, the music of today: to those who are so fond of wrongly and mistakenly calling on Adorno with reference to contemporary music, appointing themselves guardians of modernism itself, let it be said to them: Pierre Boulez, whom I greatly admire, said 20 years ago in an interview with the Los Angeles Times that a tree has many branches!

I’d like to add to this the following: arrogance is uncreative and crippling. Music in its most artful form has also always nourished itself from sources such as popular music and nature. And today, with us having been “globalized” and also acting that way, it would be a contribution to the decadence of our culture if, in the field of new music, we were to retreat into the ivory tower of cultural “superiority.” The connection of intellect and emotion, which music needs and without which it would not survive, can only be experienced when dealing with the audience. And all too often, over the past decades of programming new music, we have seen not conviction but rather political correctness and the currying of favor with self-proclaimed high priests of modernism, and instead of curiosity we have seen fig leaves. Far too often, this has constrained creativity, indeed often choking it off entirely.

Some philosophies of our era would assert that science has superseded religion. If this applied to art, this would entail art’s abandonment of its very self. And that would rob us of our dreams!

So just where is this journey headed?

In our culture, we still need individuals and institutions who do not shy away from being elites, but also do not withdraw to the ivory tower—simply put, those who are prepared to forge ahead. The exceptional will always be viewed as suspect at first, but later on be regarded as visionary and, indeed, celebrated.

I would wish for my beloved Musikverein, for this city, this country, Europe, and the Western word, an unerring sense for quality in our culture. That we might not only maintain it, administrate it, or—in the worst case—take it for granted, but above all show openness, curiosity and courage toward the new and other.

Hegel said, “The freedom of art condemns it to be subjective.” What he meant, of course, is that in art, as well, freedom is to be found within order—this is something that every musician knows. But if one reads his sentence differently, namely from the standpoint of cultural policy, it is a fatal statement—the contradiction of which must be a challenge for all of us to take up.

Creativity only arises in places where self-satisfaction is not predominant. Art leads us to deal with our very being, to go in-depth, and it is also the attempt to penetrate to the core our individual existence. On this journey into the fog of the future, one seems to go in circles—this is, in fact, a spiraling path that leads into the depths, toward the core of knowledge itself. The energy for this is the investment we must make in creativity. Every society, every country, every institution must take on to this task of intellectual investment and innovation. Only in this way can the journey actually proceed onward. The story of this society and this institution’s founding showed us this, and it must show us this more than ever in the future.

Translation by Christopher Roth
200 Jahre Gesellschaft der Musikfreunde Wien

Die Liebe zur Musik hat vor 200 Jahren Enthusiasten dazu veranlasst eine Gesellschaft zu gründen, die in den Gründungsstatuten festhält: „Die Emporbringung der Musik in all ihren Zweigen ist der Hauptzweck der Gesellschaft; der Selbstbetrieb und Selbstgenuss derselben sind nur untergeordnete Zwecke.“

Abgesehen davon, dass die Gründung der Gesellschaft nicht nur aus Gründen der Liebe zur Musik erfolgte, sondern auch aus patriotischen und sozialen Gründen, ist die Gründung auch eine grosse kulturpolitische Tat. Weil sich hier durch verschiedene Gesellschaftsschichten, vor allem durch das erstarkende Bürgertum ein Wille zur Freiheit und Unabhängigkeit zu manifestieren beginnt und damit Kunst als wichtiger Teil der eigenen Kultur angesehen wird und sich als identitätsstiftend darstellt.

Es ist durchaus berechtigt aus Anlass eines solchen Jubiläums zurück zu schauen und sich der weltweit singulären Stellung dieses Hauses bewusst zu sein, Stolz zu zeigen, aber ich finde, dass eine solche Feier vor allem dazu dienen sollte, sich die Frage als Institution, als Land und als Gesellschaft zu stellen, wohin die Reise denn gehen soll.

Diese Stadt hat seit vielen Jahrhunderten gewusst, dass der Mensch ohne Träume nicht sein kann. Kunst stiftet Identität weil sie uns daran erinnert, dass wir ohne Träume nicht lebensfähig sind.

Vor zweihundert Jahren war es der Traum nach Freiheit, der sich in dieser Gesellschaftsgründung zeigt, die politische und gesellschaftliche Freiheit, wie wir sie in Beethovens Musik ganz plastisch, emotional vorgeführt bekommen und bis heute genau so erfahren können.

Vor hundert Jahren war es der Traum von der unbegrenzten Fortbewegungsmöglichkeit, die eine enorme Beschleunigung des Lebens gebracht hat und die der Mensch bis heute nicht wirklich zur Gänze verdaut hat. Und der sich nach weiteren hundert Jahren wiederum in der Kommunikationsbeschleunigung wiederfindet, die wie ein unbezwingbarer Berg vor uns steht.

In die Nebel der Zukunft zu schauen ist unmöglich, aber wenn wir nicht nur wissen wollen wohin die Reise gehen soll, sondern vor allem, wenn wir sie mit gestalten wollen, dann bedarf es zuerst einer Bestandsaufnahme, einer Analyse auch unseres Kulturbetriebes als Teil des Ganzen, wie er sich im Moment darstellt.

Um einen besseren Blick zu erhalten auf diesen Kulturbetrieb, ihn im grösseren Zusammenhang zu verstehen, ist es hilfreich, einen Schritt zurück zu treten und den grösstmöglichen Rahmen anzusehen.

Vor hundert Jahren- Stichwort Beschleunigung- reagierte die Kunstwelt mit Rückgriffen auf das Archaische, denken Sie nur an Stravinskys „Frühlingsopfer“. Amerika begann damals Führer der westlichen Welt zu werden und die europäische Kultur begann nicht nur Amerika neugierig zu betrachten und in ihre Kunst einzuarbeiten, sondern in einem langen, weil auch durch die starken politischen Erdbeben des 20. Jahrhunderts verlangsamten, aber trotzdem unaufhaltbaren Prozess mehr und mehr von Amerika zu übernehmen. Vieles in Europa ist heute „veramerikanisiert“. Als „Teilzeitamerikaner“ stelle ich das vollkommen wertfrei fest.

Heute wird die westliche Welt- so scheint es mir- inklusive Amerika, wieder von grundlegenden Änderungen in unserer Kultur und unserem Kulturverständnis erfasst. Stehen wir vor einer „Verasiatisierung“, ähnlich der „Veramerikanisierung“ vor hundert Jahren? Durchaus vorstellbar, wenn man weiss, dass aufgrund des Phänomens Lang Lang in China allein heute eine Million Kinder Klavier lernen und ihm auf Twitter 10 Millionen Menschen in seiner Heimat allein folgen. Dann kann man das aber nicht einfach nur als eine Art Popkultur innerhalb der klassischen Musik abtun, sondern es zeigt uns, dass wir in Europa, aber auch in Amerika, der westlichen Welt insgesamt, nicht mehr so selbstverständlich die Führerschaft in uns überbrachten kulturellen Dingen beanspruchen können und sich da ganz deutlich eine Überholspur neben uns auftut.

Es gibt in der indischen Götterwelt die Götter Brahma, den Schöpfer, Vishnu, den Erhalter und Shiva, den Zerstörer- die alle drei gleichberechtigt sind. Übertragen auf uns in der westlichen Welt: wir sind allzu sehr Anbeter von Vishnu, dem Erhalter! Allein zu erhalten und allzu oft auch nur zu verwalten, sich nicht eingedenk zu sein, dass es die Schöpfung, aber auch die Zerstörung braucht, unterspült die Fundamente jeder Kultur -auch der unseren.

Kultivierung, die ein Grundanliegen einer jeden Gesellschaft sein muss, braucht Kreativität. Darüber sollten wir uns mehr Gedanken machen, uns neue Träume formulieren, uns Ziele setzen. Auch nicht nur uns sondern auch den nächsten Generationen das Unmögliche vorzugeben, um vielleicht genau diesem ein kleines Stück näher zu kommen, auch in dem Bewusstsein, dass wir es vielleicht nie erreichen werden. Jeder Mensch, der besonderes erreichen will, sei es in der Kunst oder auch im Sport visiert genau das an: er erklärt das Unmögliche zum Ziel, das ist seine Motivation- Scheitern ist dabei mit einberechnet und sogar ein wesentlicher Faktor auf dem Wege des Fortschritts.

Die Pflege der Kultur ist wichtig, aber auch die Erneuerung. Allein in die Breite zu gehen, wie wir es heute auch bei vielen Festivals erleben, bedeutet Verflachung und nicht eine Öffnung, wie es fälschlicherweise dargestellt wird. Kunst soll und muss für alle zugänglich sein, aber eine „Verboulevardisierung“, in der nur mehr der „Event“ zählt, sich über Berichten in Hochglanzmagazinen definiert, Veranstalter sich selbst über mangelnde Qualität mit Ergebnissen von Einnahmen hinweg zu täuschen versuchen, zeugt von Kurzsichtigkeit und ist auch ein Beitrag zum Erosionsprozess von Kunst und Kultur. Kunst muss in die Tiefe gehen, ist ein wichtiger Teil unserer Traumwelt, der Welt, die wir uns erträumen sollen, sie ist und muss aber auch ein Ausdruck ihrer Zeit sein. Wir leben in einer Zeit der Oberflächlichkeit, aber genau deswegen gilt es dagegen anzugehen und zu zeigen, dass es mehr gibt als die schnelle Befriedigung und Sucht nach Rekorden, die ich in Kunstveranstaltungen pervers finde, da man damit Kunst zu Massenware degradiert. Subtilität und komplexe Auseinandersetzung mit unserem Sein ist schwer zu vermitteln, aber eine unabdingbare Aufgabe der Kunst und Kulturschaffenden. Veranstalter müssen genau das ermöglichen und nicht mit „Events“ unterlaufen.

Ein Wort über die Kunst und vor allem die Musik von heute:

Denjenigen, die sich heute so gerne in Sachen zeitgenössischer Musik fälschlicherweise und missverständlich auf Adorno berufen und sich zu Gralshütern der Moderne selbst erhoben haben, sei gesagt: Pierre Boulez, den ich sehr verehre, hat schon vor zwanzig Jahren in einem Interview mit der Los Angeles Times gesagt, dass ein Baum viele Äste hat!

Ich möchte dem hinzufügen: Arroganz ist unkreativ und lähmend. Musik in ihrer kunstvollsten Form hat sich auch immer Kraft aus Nährböden wie der Populärmusik und der Natur geholt. Heute, wo wir „globalisiert“ sind und auch so agieren, wäre es ein Beitrag zum Verfall unserer Kultur, sich in der neuen Musik in den Elfenbeinturm der kulturellen „Überlegenheit“ zurück zu ziehen. Die Verbindung von Intellekt und Emotion, die Musik braucht und ohne die sie nicht lebensfähig ist, ist aber auch nur in der Auseinandersetzung mit dem Publikum erfahrbar. Wir haben zu oft in den vergangenen Jahrzehnten in der Programmierung von neuer Musik politische Korrektheit und Anbiederung an selbst ernannte Hohepriester der Moderne erlebt statt Überzeugung, Feigenblätter statt Neugierde. Dies hat zu oft Kreativität eingeengt, ja oft abgewürgt.

Manche Philosophen unserer Zeit meinen, dass Wissenschaft die Religion abgelöst hat. Träfe das auch auf die Kunst zu, würde das die Aufgabe ihrer selbst bedeuten. Damit würden wir uns aber unserer Träume berauben!

Wohin geht also die Reise?

Wir brauchen auch in unserer Kultur Menschen und Institutionen, die sich nicht scheuen, Elite zu sein, sich trotzdem nicht in den Elfenbeinturm zurückziehen, schlicht- die auch bereit sind voran zu gehen. Aussergewöhnliches wird immer zuerst als suspekt angesehen, um später als Vision erkannt und bejubelt zu werden.

Ich wünsche dem geliebten Musikverein, dieser Stadt, dem Land, Europa, der westlichen Welt unbeirrbaren Sinn für Qualität in unserer Kultur, dass wir sie nicht nur pflegen, verwalten oder im schlimmsten Fall für selbstverständlich nehmen, sondern und vor allem auch Offenheit, Neugierde und Mut gegenüber dem Neuen und Anderen zeigen.

Hegel hat gesagt: „Die Freiheit der Kunst verurteilt sie zur Unverbindlichkeit.“ Natürlich hat er damit gemeint, dass die Freiheit auch in der Kunst in der Ordnung liegt, jeder Musiker weiss das. Liest man den Satz aber anders, nämlich kulturpolitisch, ist dieser Satz fatal und muss uns allen Auftrag sein, ihm zu widersprechen.

Kreativität entsteht nur dort, wo keine Selbstzufriedenheit herrscht. Kunst leitet uns dazu, uns mit unserem Sein zu beschäftigen, in die Tiefe zu gehen, sie ist auch der Versuch zum Kern unserer individuellen Existenz vorzudringen. Auf der Reise im Nebel der Zukunft scheint man im Kreise zu gehen, dabei ist es ein Weg auf der Spirale zur Tiefe, zum Kern des Wesens schlecht hin. Die Energie dafür ist die Investition in Kreativität. Jede Gesellschaft, jedes Land, jede Institution muss sich dieser Aufgabe geistiger Investition und Innovation stellen. Nur so geht die Reise auch tatsächlich weiter. Die Gründungsgeschichte der Gesellschaft dieses Hauses hat es gezeigt und muss es in neuem Ausmass auch in Zukunft zeigen.

1 comment:

  1. It reads like the sort of thing an undergraduate (or perhaps better, a sixth-former) might write if he hadn't done any of the week's reading and had randomly downloaded chunks and titbits from the Internet...

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